桜井のサックスに気付かない

──「禁断の実」は、尽きることがない欲望をテーマにした楽曲です。ソプラノサックスの演奏も桜井さんですね。

すみません（笑）。今日はインタビューだから、車の中でアルバムをかけてたんですけど「ヘタだな」って。

──そんな（笑）。

8ビートからスウィングするリズムに変わるパートがあるんですけど、メロディ楽器がないとイメージしにくいんじゃないかなと思って入れてみたんです。コンピューターの音源でデモを作って、最初は山本拓夫さんに吹いてもらおうと考えてたんだけど、自分で試しにやってみたら「けっこういいかも」と気に入っちゃった。でも、メンバーが誰もそのことに触れてくれないんですよ（笑）。どうやらソフト音源で入れてると思ってたみたいで、みんなで集まったときに「自分で吹いてるんだけど」って言ったら、「すごいじゃん！」って（笑）。

──そもそもサックスを始めたのはどういうきっかけだったんですか？

3年前くらいなんですけど、きっかけはホントにくだらないことなんですよ。僕、青いものが好きなんですね。ついつい青いギターとかを検索しちゃうんですけど、あるとき、青いおもちゃのサックスのAI広告が画面に表示されて。それに乗せられて、買っちゃったんですよ。指の使い方はサックスと同じみたいだったので、拓夫さんに教わってみようと。そしたら「これより本物のサックスのほうがラクだよ」と言われて、それで始めたんです。エンニオ・モリコーネの音楽が好きなので、モリコーネのメロディをサックスで吹いてみたくて。やってみるとけっこう面白かったんです。あと、サックスの経験がボーカルにも生きてくるんですよ。

──新しい楽器を演奏すること自体、楽しいですからね。それにしてもAIに勧められておもちゃのサックスを買うなんて、「禁断の実」の歌詞みたいじゃないですか。

ははははは。そうかもしれないですね。

「Nowhere Man」の面白味は

──「Nowhere Man ～喝采が聞こえる」もアルバムの軸になる楽曲だと感じました。多くの人がイメージする“Mr.Childrenのポップス”的な曲だと思うのですが、どんなテーマで制作されたのでしょうか？

これは初期の（エルヴィス・）コステロのイメージですね。曲ができると、今までに何度となく“コステロ”という仮タイトルを付けてきましたけど、これもその1つで。「Nowhere Man」に関しては、Aメロがコステロっぽいんだけど、Bメロでいきなりシャッフルしてて、そこが面白味だなと思ってます。歌詞はかなり悩みましたね。そもそもこの曲、「アルバムに入れなくてもいいんじゃないかな」と思ってたんですよ。9曲目の「Stupid hero」がその前にできていて、「ポップな曲調にポジティブな歌詞を乗せる」というのはもうやったなと。結局「Nowhere Man」を入れることになったんですけど、だったら歌詞はあえて意味を持たせないのはどうだろうと思って。「はぐらかしてはぐらかして」という戦法なんですけど、そこで行き着いたのが、どこにもたどり着かない「Nowhere Man」だったという。絞り出せば出てくるもんだなと思いました（笑）。

──「Nowhere Man」というThe Beatlesの名曲もありますね。The Beatlesの曲名をタイトルにするのは「Tomorrow never knows」以来かも。

そうですね。The Beatlesの「Nowhere Man」の邦題は「ひとりぼっちのあいつ」じゃないですか。なのでこの曲の歌詞にも「ひとりぼっちの Nowhere Man」と書いたんですよ。

聴き手としても音楽に力をもらってきた

──もう1曲お聞きしておきたいのが、「Umbrella」について。ソウルミュージックの雰囲気を感じさせるベースライン、憂いを帯びたメロディが印象的なミディアムチューンですが、どういう曲想から始まったんですか？

この曲はずいぶん前からあって、最初の段階ではもうちょっとフォーキーだったんです。制作期間中に沖縄に旅行したんですけど、さすがにコンピューターを持っていくのはどうかなと思って、iPadだけ鞄に入れたんですよ。コードを打ち込んだらAIがベースやキーボードを弾いてくれるソフトがあるんですけど、それを使ってるときに「あれ？ これは面白いものができるかも」と思って。それがヒントになって、今の形に近付いていった感じですね。

──どうにもならない現実もある。それでも「明日が手招きしている」という歌詞もアルバムのコンセプトにつながっていると思います。やはりこのテーマを伝えたかったのでしょうか？

うーん、どうなんでしょうね。僕は何かを伝えたくて歌詞を書くことはあまりないんですよ。ただ、聴いてくださる方の心のどこか、想像力のどこかに光が差すような曲を届けたいという気持ちはあって。僕自身、聴き手として音楽に力をもらってきたから、作る側としてもそうありたいのかな。今はどちらかというと、聴くよりも歌うこと、プレイすることのほうが好きなんですけどね。

お客さんが歌っている姿を想像しながら

──4月には全国ツアー「Mr.Children Tour 2026 "Saturday in the park"」がスタートします。アルバム「産声」の楽曲がライブでどう表現されるか、どう変化するか楽しみです。

今回のアルバムはアリーナのライブを意識して作ったところがあって。前作の「miss you」はどちらかという閉鎖的、内向的なアルバムで、ツアーもそういう雰囲気で回ってたんですよ。お客さんにサビを歌ってもらったり、コミュニケーションを取る場面も少なくて、だんだんそれが物足りなくなってきてしまった。「もっと皆さんとコミュニケーションを取りたい」という気持ちがあったし、それが今回のアルバムのメロディやアレンジのモチーフにつながってるんですよ。コーラスパートもふんだんに入れているけど、それもアリーナでお客さんが歌っている姿を想像しながら作りました。

──ライブの影響はやはり大きいんですね。30周年を記念したベストアルバム「Mr.Children 2011 - 2015」「Mr.Children 2015 - 2021 & NOW」のインタビューで桜井さんは「51歳になったときに、なぜか『ここからまた始めるんだ』という気持ちになって」とコメントしていて（参照：Mr.Children桜井和寿ソロインタビュー｜「30周年は単なる入り口でしかない」ミスチルが見据える未来への道のり）。今はどうですか？

そういうことはあまり考えなくなりました。いい曲ができると「これであと2年やれる」と思うし、ちょっと声の調子が悪ければ、明日にでも辞めたいと思う（笑）。そういうことを繰り返しながらやってますね、今は。