ライブを意識した楽曲制作

──鈴村さんは今年でアーティストデビュー10周年を迎えられます。

はい。今改めて振り返ればあっという間でしたけど、その間にはいろんなことがあったなと思います。それまで音楽をまったくやっていなかった人間が急に音楽活動を始めたわけなので、最初はとにかく新しいことだらけでしたね。CDを作ることも、作詞をすることも、ライブをすることもすべてが自分の中では新しく刺激的なこととして第一歩を踏み出して。そこから10年続ける間にはいくつかの山場があったような気がします。

──活動の中ではさまざまな変化もあったかと思います。

一番大きいのはライブに関してじゃないかな。音楽活動を始めた時点では、自分がライブをするイメージが実はあまりなかったんですよ。別にライブをやりたくなかったわけではないけど、ライブをするために音楽を始めたわけでもなかったと言うか。いざ「ライブをやりましょう」という話になったときには、「やります！」なんて顔をしたわけですけど（笑）、実際やってみるとそのハードルはものすごく高くて。「こんなに大変なものなんだ！」と思ったんですよね。だから、ライブを楽しめるようになるまでにものすごく時間がかかりました。今はもうともかくライブが楽しくて仕方がないので、そこが一番大きく変わったところだと思いますね。

──ライブを楽しめるようになるために、試行錯誤を繰り返していた感じですか？

試行錯誤していましたね。5年目くらいのタイミングでライブに目覚めた瞬間があったような気がしていて。楽曲を制作するときにすごくライブを意識するようになって、ライブ仕様の曲が増えていくんですよ。そのエポックとなったのが「SHIPS」（2014年5月発売のアルバム「VESSEL」収録）。あそこを起点として、ライブでみんなと一体になって遊ぶ感覚に気付いていったところはありました。それまでは単純に作った曲をライブでやるという認識でしたけど、それ以降は制作とライブがお互いいい形でフィードバックし合うようになりましたからね。今回のベストは時系列で曲が並んでいないからちょっとわかりづらいけど、確実にその変化を感じてもらえる内容にはなっていると思います。

胸を張って音楽活動をやっていこう

──歌に関しても10年分の変化、進化が感じられます。

昔はやみくもに歌っていた感じがあったけど、今は歌に対する自分の中でのアプローチ……特に技術的なアプローチが確実に変わってきています。今回のベストには再録した曲がいくつかあるんですけど、実際歌ってみると当時と今の感覚がだいぶ変わっていることに自分でも驚いて。喉の使い方が全然違うんですよ。昔はライブの度に声が枯れていたから、楽屋に必ず大根のしぼり汁を常備してたんです。それを飲むと喉の枯れが治るので。でも、今は喉飴の1つも舐めなくなりましたから。

──活動の中で喉が鍛えられたわけですね。

そう。ライブにおける声の使い方を自分なりに研究したことで喉をコントロールできるようになって、歌へのアプローチが劇的に進化したんですよ。そのことはレコーディングにも生かされるようになったし、もっと言えば声優の仕事にも生きてくるようになって。わかりやすいところで言うと「おそ松さん」というアニメで僕はイヤミというキャラクターを演じているんですけど、みんなによく「喉がしんどそうだね」って言われるんです。でも僕としては全然しんどくなくて。これはやっぱり10年間の音楽活動の中で、音楽的な喉の開き方をコントロールできるようになったからだと思うんですよ。声の表現という意味では声優も音楽も繋がっている。当たり前のことですが、この10年は改めてそこに向き合えた歴史でもあるんですよね。

──冒頭で「この10年にはいくつかの山場があった」とおっしゃっていましたが、その中で特に大きなターニングポイントになった出来事は？

僕の中で大きかったのは2011年の東日本大震災ですね。僕はあの震災の直前に「CHRONICLE to the future」というアルバムを出して、そのあとにはライブツアーも決まっていたんです。でも、当時は「音楽活動なんかやってる場合じゃないよ」という空気がものすごくあった。エンタテインメントというものがなくなってしまうような空気があったんです。実際、大変な思いをされている方がたくさんいたわけだから当然のことではあるんだけど、でも自分の仕事の意義がなくなっていく感じがとてもしんどかったんですよね。

──でも鈴村さんは予定通りライブツアーを行うことを決断されましたよね。節電のためにアコースティックスタイルでの開催になりましたが。

はい。あの時期は“不謹慎”という言葉がすごく使われていたんですけど、そうじゃない視点もあると僕は思ったんです。誰かを助けるためには、まず「自分は大丈夫だ」というところまでメンタリティを持っていけないだろうか、音楽やアニメという表現の仕事が誰かの心に余裕を生んでくれるんじゃないか、と。だから僕は予定通りツアーを開催する決断をしました。それで、そのライブを通して“エンタテインメントが存在する必然性”を改めて感じることができたので、1人でも心を動かしてくれる人がいるなら、これからも胸を張って音楽活動をやっていこうという気持ちになれたんです。

──そういった経験を経たことで、鈴村さんの音楽表現がよりストレートになった印象もあります。

確かに変わったと思います。作詞に関して言うと、初期の頃はちょっと難しい言葉を使おうとか、誰も使ってない言葉を探してみようとか、そういう手法を取っていたんですよ。例えば“楽しい”という感情を表現するときに、いかに“楽しい”という言葉を使わずに伝えられるかとメタファーを必死に探したりしていました。そこには“芸術的でありたい”という気持ちもあったし、照れ隠しみたいなものもあったんですよ。直接的な言葉を使うことが、こっ恥ずかしいと言うかね（笑）。でも、震災以降はすごくシンプルな言葉を使うようになっていきました。「messenger」（2012年5月発売のシングル表題曲）では、それまであえてあまり使ってこなかった“愛”という言葉を使ったりもしてますし。もう遠回しに書く必要はないなって思うようになっていったんですよね。