映画やドラマといった映像制作者を育てるための養成スクール。オンライン講座とオフライン研修を組み合わせ、知識の習得だけでなく現場での動き方やルール、立ち振る舞いを身に付けることに主眼を置いたカリキュラムで構成されている。
講座内容は、映像制作におけるプロセスや役割分担を学べる基礎講座のほか、制作・演出・美術の専門知識に特化した専門講座、そしてプロと一緒に短編映画制作に参加できる研修を用意。講座は好きなタイミングから受講が可能で、短編映画制作研修はオンライン講座を修了した人を対象に年4回実施される予定だ。

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Production Campは、“こういうのを知りたかった”っていう僕の生の声（伊藤）

──まずはお二人それぞれの現在の仕事と、映像業界に入ったきっかけを教えていただきたいです。

古賀俊輔　現在は株式会社ザフールという映像の企画・制作の会社で映画のプロデューサーとして仕事をしています。制作の依頼を受けたものを予算通りに成立させる以外に、自分たちがやりたい企画を持ち込むこともあります。全体の比率でいうと、6～7割は受注した仕事をやっていますね。

──どんなお仕事でキャリアをスタートさせたのでしょうか？

古賀　広い範囲で映像って考えると、最初はテレビの制作会社にアルバイトで入って、ビデオやテレビ番組の制作、海外から作品の権利を買ってくる仕事をしていました。ビデオの会社を作って独立した上司に付いて行ったあと、流通の販売会社に移って働いていたら、レコード会社から「映像部で売り上げが上がるように新しいことやりたい。君の評価は1年後にする。このレコード会社に何があったら面白いか考えてくれ」と声を掛けてもらったんです。映画の企画を考えて、実写とアニメ両方やりたいって言ったら「どっちかにしろ」と怒られ、悩んだ末に実写にしたんですよね。31歳のときに初めて映画プロデューサーとして仕事をしました。ヒットしなかったらもう映画はやっていなかったと思います。

──伊藤さんの今のお仕事と、Production Campを立ち上げたきっかけを教えていただけますか？

伊藤　スタイリスト事業や映像の制作・演出・プロデュース事業を行う株式会社dexiの代表取締役をしています。今は東京ゲームショウの衣装を作ったり、映像作品の制作をしていますが、そもそも僕は30歳までアパレル業界にいたんです。Yohji Yamamotoで10年間働いたあと、スチルカメラマンの友達とワンルームを借りて、広告のことは何もわからないけどとにかく「写真撮れますよ」「スタイリストいますよ」と言ってこの会社を始めました。最初は業界用語すら知らなくて……。宣材撮影の依頼をいただいたんですけど、僕は「アタック（洗剤）の依頼が来たぞ」って言って（笑）。

古賀　ははは（笑）。

伊藤　広告代理店の経験もないし制作会社にもいたことがないからわからなくて、「こんな撮影がしたいんです」って言われても、カメラマン以外に僕しかいないから「じゃあ場所探さなきゃ」「人探さなきゃ」って動いて。やるしかないからやっていたことですが、今思えばいつの間にか制作の仕事をしていた感じです。3、4年経って、小学生の頃からずっと好きだった映画の仕事もやりたいと思い、ある会社の依頼で初めて衣装で映画の制作現場に入りました。映画業界では衣装・持ち道具などセクションが分かれていると知らなかったから、広告の世界と同じように装備品まで含めた全身分を用意したら喜ばれたりして。異業種・未経験だった30歳の私がスタイリストや制作、プロデュースのさまざまな仕事を“経験”する中で徐々にいろんなことを学んでいったのですが、やっぱりたくさん苦戦しました。どのセクションも自分の部署のことでいっぱいいっぱいだからほかの部署のことなど知らないまま仕事をしてるのでトラブルも起きやすい。作品作りをするうえで部分的にだけ参加するよりも全体像がわかってたほうが絶対に楽しいし、やりがいがあります！ “見て学ぶ”しかないから、ルールを知らないまま仕事をしている人がほとんどなので、これは学べる環境を作らないと！と思いました。Production Campは、“こういうのを知りたかった”っていう僕の生の声なんですよ。

──そんなお二人の出会いは？

伊藤　古賀さんと最初にご一緒したのはCM撮影の仕事で、会社としては映画の衣装部として発注をいただいたのが最初です。

──この業界ではスタッフ同士が一度きりの出会いも多い中で、何度も仕事をともにされていますよね。お互いのどんなところを信頼していますか？

古賀　僕の立場で言うと、伊藤さんはスタイリストっぽくないですね。物事を俯瞰で見ていらっしゃるので、プロデューサーに近い感じがします。人によっては「自分はこれしかやらないです」みたいなスタンスだったり、演出に文句を言う人もいるのですが、伊藤さんは全体を見て、大変そうな場面は「こっちでやっちゃいましょうか？」って自ら引き取ってくれる。ただのスタイリストじゃないですよ。

伊藤　僕はドキュメンタリーや映画のメイキングも好きだから、いろんな監督とかプロデューサーの話も知っているけど、古賀さんは「美しいPVのような映画にしたい」「ドキュメンタリーっぽく生々しく」といったイメージに合わせて、今回はこの会社にお願いしよう、この技術さんを入れよう、とたくさんある手札から選んで作られているから、いい作品になるんですよ。スタッフのレイアウトがすごくうまい。打ち合わせのときの立ち振る舞いから本物のプロデューサーだなと思い、憧れです。

“現場に出たときにはもうあなたはスタッフの一員ですよ”という教え方（古賀）

──古賀さんも特別講座の1つを担当していらっしゃいますが、このProduction Campの内容についてどう感じられましたか？

古賀　考え方を聞いて、「それは絶対にやったほうがいい」と言いました。今、日本映画製作者協会の副理事をやっているんですが、理事会でもそういうテーマが出るんです。映像制作について学べる大学や専門学校はたくさんあるけど、いざ現場に来ても多くの人が辞めていってしまう。理由はいろいろあると思うんですけど、知識だけでは映画は成立しないし、昔のように“映画とは”と語ること自体に意味がない時代。結局教えなきゃいけないのは、具体的な動き方と考え方、そして人間力を高めることなんです。それがProduction Campでは体現されているなと思います。

──これまでの専門学校や大学などと比べてより現場主義ですよね。

伊藤　根本的なことなんですけど、スタイリストで言うと、独り立ちする前にアシスタント時代がありますよね。でも専門学校では、アシスタント時代のアイロンがけや品番の書き方など雑多な仕事について教える機会が少ない。映画の学校でも、映画の撮り方や歴史、機材の使い方などは教えると思うんですけど、実際の現場に落とし込んで細分化したセクションの“末端”のすべてに触れるのはなかなか難しいじゃないですか。それを全部教えるんです。僕ができなかったこと、苦労したこと、“みんなにこうなってほしいな”が全部入っています。知識がないだけで現場の雰囲気を悪くしてしまうこともあるので必死に教えます。

──オンライン授業を見せていただいたんですが、制作部や演出部など部署ごとに何を意識して台本を読まないといけないかなど、細分化されたカリキュラムに驚きましたし、スタイリストさんの話では「そうか、登場人物が着ている衣装だけじゃなくて、ハンガーで干されている服やたんすに入っている服まで画面に映る衣類はすべて用意しないといけないんだ」とはっとしました。たくさん映画を観ていても、スタイリストの勉強をしていてもなかなか気付けないですよね。現場に入ってから教えてもらうのもハードルが高いと思います。

古賀　映画業界って徒弟制度みたいなところがあるけど、現場で少しずつ教えてもらって経験し、昇進していくというやり方だと時間が掛かるんです。Production Campでは“現場に出たときにはもうあなたはスタッフの一員ですよ”という教え方をしている。会社でいうと入社前に自分の部下を育てている感じ。

──それは目指す人にとっても業界にとってもいいことですよね。

古賀　そう思います。

1つの職種が合わなくてもこの業界をあきらめてほしくない（伊藤）

伊藤　ただ僕は悔しかったんです。映画が大好きで映画業界で仕事をしたいと思って飛び込んだけど、衣装部ってあまり打ち合わせ（プリプロ）に参加させてもらえないんですよね。

古賀　役割分担が明確になってるからね。

伊藤　僕は服を選ぶならロケーションを見たほうがよりシチュエーションに合ったコーディネートを組めると思うし、何時に撮るのか、夕景なのか、朝なのかで変わってくるだろうって思うんだけど、そういったことはなかなか気にしてくれない。だから、どんどん守備範囲を広げないと自分の存在意義がないと思ったんです。

──その経験が、講座の専門コースにかかわらず各部署の基礎を学べることにつながっているのでしょうか？

伊藤　そうですね。僕は、ジョブチェンジはありだと思っています。1つの職種が合わなくてもこの業界をあきらめてほしくないから、現場で隣の芝生が青く見えたならやったらいいと思う。でも助監督の徒弟制度、制作部の徒弟制度って縦で割られちゃうと、別の部署のことがわからないからジョブチェンジしづらい……。だったら、全部の要素を1回教えてしまって、今興味があることをやってみよう、やってみてなんか違ったら次は別のセクションをやってみよう！と。そうやって変わっていっていいと思うんです。

古賀　映画ってチームで作るけど、規模が大きくなればなるほどほかのセクションは知らない、となってしまいがちだもんね。全部できないといけないというわけではなく、ほかのセクションがどんなことを考えて動いているのかわかることが大事な気がします。それで言うと、助監督を経験してきた監督と経験していない監督ではまったく違うんですよ。助監督を経験した監督は、例えば美術部が何をやっていてどれくらい大変かわかっているけど、経験していない監督は自分のことで精いっぱいになってしまいがちです。

──講義でも、各部門のプロフェッショナルがほかの職種を志している人に対して「こういう大変さに気を使ってほしい」と伝えているのが印象的で、当たり前ですが大事なことだなと思いました。また、オンライン講座だけじゃなくて、実地研修もあるんですよね。

伊藤　うちでは、1クールごとに10分ぐらいの短編映画を作ります。生徒たちだけでなくプロも呼んで、約2週間掛けて自分が経験したい部署で映画制作ができる。実際の現場だと「今何をやってるんですか？」「あの人誰ですか？」ってなかなか聞けないじゃないですか（笑）。それでもいいよっていう現場を用意するんです。

──いきなり現場に入るのは不安もあるので、この研修があるのはうれしいです。

伊藤　手を動かしてみないとわからないことがいっぱいあるし、広告と映画でも全然違うんですよね。制作部の仕事、美術の仕事、照明部もそう。どこまでこだわれるかは、CM、映画、ドラマという現場ごとに違うし、時間や予算でも変わってきます。

──ちなみに、これまで映像制作の現場で出会った印象的な人はいますか？

古賀　僕は、去年亡くなった中島貞夫監督です。彼の最後の作品である時代劇「多十郎殉愛記」でご一緒させてもらいました。予算は多くなかったけど、レジェンドなのでうちのスタッフ全員が「やりたい」と手を挙げて、京都撮影所のスタッフも「僕たちがやらないと」と協力し、なんとか最後に監督に映画を撮らせてあげたいっていう、こんな映画作りは経験なかったですね。主演の高良健吾もその1人。「ちゃんばらを学びたい」「伝統を受け継ぎたい」と言っていました。監督も“高良ちゃん、高良ちゃん”ってかわいがっていましたよ。いつも優しい方なのに、スケジュールがハマらないから台本を切りたいと伝えたときは「切るとこはないな」って言われて「くっそー」と思いました。いい思い出です（笑）。

──この業界で続けていたらそんな瞬間も訪れるんですね。

古賀　経験できて、すごくうれしかったですね。